Ludwig van Beethoven: Symphony No. 8 in F Major, Mvt 2 “Allegretto scherzando”

 

Ludwig van Beethoven: Symphony No. 8 in F Major, Mvt 2 “Allegretto scherzando” (贝多芬第八交响曲第二章)

 

贝多芬F大调第八交响曲是贝多芬九部交响曲中最短小的一部,但精悍紧凑,充分体现了贝多芬的作曲技艺。

该作品创作于1813年,风格轻松活泼。1814年在维也纳首演,由贝多芬本人担任指挥,尽管那时候他的听力已经每况愈下。作品第二乐章是谐谑的小快板,情绪轻松幽默,贯穿木管乐曲对节拍器固定节奏的模仿,亦有小奏鸣曲的风格。节拍器在当时刚刚被乐界采用,后人认为,贝多芬或许有感而发,对作为新鲜事物的节拍器进行了调侃。

Deutschland Beethoven-Haus in Bonn (位于波恩的贝多芬故居,贝多芬出生的地方)

本文转载于德国之声“古典音乐风”播客

2015年的武汉音乐学院校园照片

2015年夏天(6月)回武音,拍了一组照片,今天在手机里发现,略加编辑,给大家分享一下。

这是武汉音乐学院最早的建筑,大概建于上世纪一九五零年左右,目前只有四栋,1978年这一些建筑是教务部门、图书馆等使用。

这几栋楼的建筑特点是冬暖夏凉,最早是木地板,1978年我们入学的时候没有空调,但是在这些建筑里没有感觉到特别的热,冬天也没有特别冷。

 

俄罗斯的“钟”

俄罗斯的“钟”

最近听了“Rachmaninoff – Piano Concerto No. 2, Op. 18 ”以及“Alfred Schnittke – Concerto Grosso No. 1”,想到了俄罗斯的“钟”,两个作品前奏的开始都是模仿钟声。

Rachmaninoff – Piano Concerto No. 2 (前奏部分)

 

Rachmaninoff – Piano Concerto No. 2 第一乐章:

曾经看过BBC介绍拉赫马尼诺夫的专题节目,其中也谈到拉赫马尼诺夫的作品很多都与俄罗斯的钟有关,其中最熟悉的应该是“Sergey Rachmaninov: Prelude for piano No.1 in C sharp minor (“The Bells of Moscow”) , Op. 3/2” (升C小调前奏曲,又名“俄罗斯的钟“,另外还有合唱套曲《钟声》等。

无独有偶,偶然也听到“Alfred Schnittke – Concerto Grosso No. 1” 施尼特凯的第一大协奏曲的开头也是描述钟声。

Alfred Schnittke – Concerto Grosso No. 1 (乐谱视频)

当然,在古典音乐中,描写钟声的作品以及片段多的是,交响乐队的乐器里有不同的音高、不一样音色、功能不一样的钟乐器,大家应该有很深的印象。如果展开论述,应该有很多可以描述,如历史的、宗教信仰的、考古学的等。

在此只想谈谈拉赫马尼诺夫与施尼特凯为什么如此钟情“钟”?

拉赫马尼诺夫既是钢琴家又是作曲家,生于1873年,1918年去了美国,1931年得罪了当时的苏联政府,作品遭到禁止,他信奉东正教,晚年以音乐养活全家!可见他带有“钟声”的音乐作品与宗教有关,也与他流浪在异国他乡所造成的心情有关。

Alfred Schnittke – Concerto Grosso No. 1(施尼特凯的第一大协奏曲),1977年创作。

1934年,施尼特凯出生于伏尔加河畔。1990年定居德国汉堡,1988年初次访问了美国。

他属于俄罗斯新生代作曲家,施尼特凯是世界级新音乐作曲家,曾经受到肖斯塔科维奇的影响。他的这一首作品的开头也是模仿钟声(更像俄罗斯钟声),其中描写钟声的钢琴声音可以算是“加料钢琴”的声音,不是单纯的单音钟声,模仿了钟声的共振与三、六度(大小),听起来更像比较自然的钟声。

中国1978年出土的编钟有大三度的双音,有很深的声学理论。两千年以前的编钟与宗教不知道是否有关系,但是与政权或者礼节有关系是肯定的,而且应该是在室内演奏乐器,也许是在宫廷。

而俄罗斯的钟声具有信仰特征,在莫斯科有一个破坏了的、没办法发出声音的“钟王”,据说是世界上最重的钟。这么大的钟,在室外,声音传得很远,用于召唤信徒。随着历史的变迁,各种钟的声音深深地埋藏在人们的心中,作曲家在乐队作品或者钢琴作品中用以唤醒人们对美好的向往、回忆、对逝去的人们祈祷、给现代人祝福等有一定的关系。

Mahler & Schnittke: Piano Quartet in A minor

Mahler & Schnittke: Piano Quartet in A minor (马勒-施尼特凯:A小调钢琴四重奏)

在古典音乐中,钢琴四重奏(钢琴、小提琴、中提琴、大提琴)相比其它重奏,如弦乐四重奏、钢琴弦乐五重奏等室内乐来说,钢琴四重奏作品要少见一些。

马勒在维也纳音乐学院的第一年结束时创作了这一首钢琴四重奏,当时他大约15岁或16岁。(下面是马勒原始乐谱演奏视频)这一首钢琴四重奏(钢琴、小提琴、中提琴和大提琴)单乐章作品,(不太快的快板),大概需要11到15分钟才能演奏。

这首曲子是1876年7月10日在音乐学院第一次演奏,马勒自己演奏钢琴,但从现存的文献中不清楚四重奏是否在这个时候完成。

在几封信中,马勒提到了四重奏或五重奏,但没有明确提到这一首钢琴四重奏。

接着的一次演出是在Theodor Billroth博士的家里进行的,他是约翰奈斯·勃拉姆斯的亲密朋友。

十九世纪这一首四重奏的最后一次演出是1876年9月12日在伊格劳,马勒又弹钢琴。那一场音乐会,马勒的小提琴奏鸣曲也一起演出。

有资料显示,马勒希望出版这个四重奏,在幸存的手稿里,包括24小节的一个g小调谐谑曲,印有出版商特奥多尔(Theodor Rättig)的印记,似乎马勒把作品给他了,但被拒绝了。

20世纪60年代,马勒的遗孀Alma Mahler重新发现手稿后,这部作品于1964年1月12日在美国首映,在纽约由Peter Serkin和加利米尔四重奏团演奏。四年后于1968年6月1日在英国上演。在伦敦的珀塞尔室,由尼米特室内乐团。

由于有24小节的谐谑曲的谱面存在,导致了许多作曲家想完成该四重奏的尝试。1988,俄国作曲家阿尔弗雷德·施尼特凯完成了这一乐章的; 他还使用了他的第五交响乐第二乐章的与第四大协奏曲的第二乐章的片段。

鹿特丹爱乐乐团(RPHO)委托荷兰钢琴家和作曲家Marlijn Helder组成四重奏乐团。增写的部分在2013年5月由鹿特丹爱乐乐团和指挥家James Gaffigan首演。亚洲首演于2013年8月与汉城爱乐交响乐团举行。

后来电影《禁闭岛》(改编自美国小说家丹尼斯·勒翰的同名小说,由斯科塞斯执导,2010年在美国上映)使用了这首曲子,知名度开始提高。

  • 古斯塔夫·马勒 (Gustav Mahler,1860年7月7日—1911年5月18日),出生于波希米亚的卡里什特,毕业于维也纳音乐学院,杰出的奥地利作曲家及指挥家。
  • 施尼特凯1988年初次访问了美国,他参加了“集体创作” (Making Music Together)音乐节,波士顿交响乐团首演了他的《第一交响曲》。此后他多次访美。二十世纪八十年代,他的作品在国际上受到越来越多的赞扬,并经常在一些著名的音乐节上演出,获得过诸多奖项,包括1991年获奥地利国家奖,1992年获日本天皇奖和1998年莫斯科的斯拉娃-格洛丽亚奖(Slava-Gloria-Prize)。在十年之内,他的作品被录制了 50 多张专辑。施尼特凯1990年定居德国汉堡,保持了德俄双重资格。1998年8月3日逝世于汉堡。

下面视频链接:马勒(施尼特克续写)- A小调钢琴弦乐四重奏 (2009年演出)

Gidon Kremer (violin), Maxim Rysanov (viola), Giedre Dirvanauskaite (cello), Andrews Zhlabis (piano)

链接:
http://v.youku.com/v_show/id_XNTgwMjA0NDM2.html?from=s1.8-1-1.2

如歌的行板与生动的行板

 

Andante cantabile & Andante con moto
(如歌的行板与生动的行板)

  • 古典作曲家的慢板乐章都很有特点,特别是弦乐四重奏,很多都是内心的表白,听起很有味道。如果演奏好、音响好,有良好的听觉视觉环境更是一种享受 : (点击下面文字播放)

舒伯特第十四弦乐四重奏(《死与少女》 Franz Schubert – String Quartet No.14 in D minor, D.810,视频演奏:“Alban Berg” Quartett )

  • 舒伯特一生共写了15首弦乐四重奏,第14弦乐四重奏首次演奏以后没多久他就去世了。乐曲表达的内容来自于德国诗人的诗句,关于舒伯特的生平有很多渠道可以查阅,他主要是贫困潦倒,生活不够幸福,性格忧郁,多数作品都是自我性格的显露,这个四重奏似乎是总结了他短短一生。仅三十一岁就去世了。
  • 在该作品第二乐章开始的乐段中能听到《圣母颂》(他自己创作的歌曲)的主题,音乐的内涵表达非常明确。

  • 老柴著名的“如歌的行板”,也是脍炙人口的作品。
  • 学习音乐的应该熟悉其第二乐章,即:柴可夫斯基的第一弦乐四重奏第二乐章“如歌的行板” : (点击下面文字播放)

(Tchaikovsky, Quartet No.1 – 视频: “Borodin ”Quartet 演奏

  • 最早接触该作品的时候,看到过“如歌的行板”来自于一首俄罗斯民歌,与舒伯特不一样的是,舒伯特的作品是与上帝的对话,而老柴的作品是与现实的对话,他是俄罗斯“强力集团”成员之一,有民族乐派的说法。彼此有一些区别。毕竟不是同时代人,但舒伯特与贝多芬是同时代人。虽然没有贝多芬有名,他也见过并崇拜贝多芬。
  • “Alban Berg” Quartett 与 “Borodin ”Quartet 是发烧友非常青睐的著名的“贝尔格四重奏乐团[德]”与“鲍罗丁四重奏乐团”。
  • 上面两个视频从音响上讲,舒伯特的作品是近年录制的,是立体声,而老柴的是单声道音频,录制比较早,但是听起来更柔和,如果发烧友有这个版本的黑胶唱片一定非常享受。舒伯特这个作品除了声音很好以外,也注重舞台效果,特别使用了灯光与艺术性摄影制做,这样,听众会更深刻地理解作品。当然,要是不懂音乐乱弄一气可能适得其反。至少目前在中国的音乐舞台上难以见到这种特别的音乐会情形。

 

附注:几个作曲家的生卒年龄信息
路德维希·凡·贝多芬 (Ludwig van Beethoven, 1770年12月16日-1827年3月26日)
弗朗茨·舒伯特(Franz Schubert,1797年1月31日生于维也纳,1828年11月19日逝于维也纳,享年31岁)
柴科夫斯基,Pyotr Ilyich Tchaikovsky,1840年5月7日—1893年11月6日)
  • 略特·卡特,1908年12月11日-2012年11月5日 ,美国杰出的音乐家,后现代音乐大师。 出生于纽约。以后接触一下他的“第五弦乐四重奏”(他一生写了五首弦乐四重奏)。与上面三位作曲家不同的是,他活了一百多岁,而且一直坚持创作,他的音乐难以演奏,难以理解。

马勒第三交响乐第四、五乐章听后感

 

马勒第三交响乐第四、五乐章听后感

马勒・古斯塔夫(Mahler, Gustav 1860 – 1911) ,奥地利籍波西米亚作曲家。其交响音乐最大的特点就是有很多声乐部分,有独唱、合唱,甚至还有童声合唱。最近仔细听了和看了他的第三乐章第四、五乐章,也研究了一下总谱。很有感触,不仅好听,也很感动人。特别介绍一下。

第三交响乐是一个有一个半小时之多的长篇交响乐,有六个乐章,很特殊的是,第一乐章就有半个小时之多,前三个乐章差不多一个小时,第四、五乐章加起来也就十几分钟,这两个乐章主要特色就是有一个女中音(也有说是女低音的),然后有女生合唱加童声合唱。作品的表现有一点外在的描写大自然的音响特点,第四、五乐章的表现与宗教有关系,有资料说是尼采的文字,从某种角度讲,继承或者发展了贝多芬的”欢乐颂“的音乐语言。

作为一个学作曲的,应该是关心其结构,但是对于研究马勒来说,乐队的写作特点很重要,勋伯格说他是古典乐派,又说他具有开创性。这很大程度上是在评价他的乐队写法的创造性。

而我们目前最困惑的就是乐队应该怎么写,可能应该首先考虑所创作的管弦乐作品的乐队音响怎样。考虑是否现代、浪漫或者古典都不重要。这一点,特别要给学习作曲的年轻作曲家灌输。

第四乐章

第五乐章

 

怎样创作出新颖的旋律(1)

怎样创作出新颖的旋律(1

—— 旋律创作需要补充的中国乐学问题

目前,我们听到的一些中国音乐,不管是器乐曲还是声乐作品,都很美,尤其是新创作的歌曲作品,听起来的确很动人,新作品也层出不穷。

在音乐学院,不是特别重视声乐作品创作,作曲主要是个性化教学,一般声乐作品很难出新。

从本质上说,中国声乐作品还是满足于一般的“可听性”,在八十年代或九十年代有一段时间在作曲教学中也模仿写作无调性的声乐作品,但是没有任何作品成功,只是一些尝试与实验的作品。

另外,现在的一些流行音乐创作,主要是靠包装,旋律写作已经不重要了,多数作品是快餐文化,也不是一个人完成的,有编曲的(已经变得面貌全非)、有演唱的(与原创也是面目全非)、还有录音、混音等,这种商业模式已经与艺术创作没有关系了,更多的是工具(乐器、录音设备)与技术(演奏与演唱、录音技巧等)的结合。由于是工业化生产,这样一些作品一段时间就会消失,不像早期的流行歌曲,还可以流行到现在。

上述种种情况是否意味着真正好听的音乐不再诞生了呢?不是的,只要是新颖的创意、高超的创作艺术、有前所未有的音响等,就一定会是很好的作品,也会很好听。

笔者在音乐创作上同样存在这个问题:“眼高手低”,因此,作品很难出新,一直在边创作边寻找出新的方法。总结一些自己的作品,某一种文化始终存在,那就是,中国音乐文化潜移默化的东西。如果完全按照西方音乐的道路创作下去只有用西方的标准来衡量其好坏,但是如果用中国传统音乐文化观念创作,西方的标准就不起作用,如果与西方比较有一些不一样,那就会有所创新。

但是,中国地大物博,中国音乐文化不能总是局限在汉族音乐文化,甚至是汉字文化等,但是具有代表性的中国音乐还是以汉族文化为主。所以,下面我要讨论的所谓旋律创新问题,还是有一定的局限性,那就是指中国音乐史里面主要影响到的一些音乐文化,比如是由于古琴的传统研究,编钟的传统研究等所受的影响。

大道理不在这个博客里面讨论,博客博客,就是在5分钟内能够读完的就是博客,微博限定在140个字符,更少。没有必要在这里展开。有时间可以形成论文再说。

请观察这一条旋律:

1. 用大小调来分析:

其风格是五声性的旋律,音与音之间没有小二度;没有特定的地域性特征,也没有古曲风格;有明显的新创作特性。

2. 用七声音乐分析:

中国的七声音阶的名称虽然表面结构一样,只是称谓不同,但是有本质的区别,这个体现在音乐风格与音乐作品上,这个问题理论性太强,大家能够理解就行。

该旋律片段姑且分成两个乐句,可以形成两个不同的调性:

3. 用五声音阶来分析:上述提到,该乐曲是五声音阶结构,且相邻音符没有小二度,也没有增减音程。

 

这样的旋律随口遛是很难创作出来的。观察上面五声音阶的分析,五个不同的片段是没有重复的五个调式(旋律线条的变形——类似于十二音)。

(如何创作这样的风格,下一个博客仔细谈谈)

怎样创作出新颖的中国风格旋律(2)

怎样创作出新颖的中国风格旋律(2

—— 突破一般调式思维的旋律写法

上一篇相关博客(1)讲到旋律新颖问题,具体怎样创作,各个作曲家都有自己的办法。

随着音乐创作不断创新,在音乐史上被分成若干个阶段,如古典派、浪漫派、浪漫派后期,这一些主流古典音乐被称之为“共性写作”时期,也就是我们学习的传统和声都可以解释的,与之伴随着的是这个时期的旋律,从巴哈开始直至浪漫派后期,这个阶段的旋律是越来越复杂,在调性变化上是转调频率越来越高,但是,基本控制在大小调体系,当然复杂程度非常高,其技术含量就是和声风格的不同,同时代的作曲家在和声上都有一些个人风格,学习作曲到了高级阶段,这是经常要研读与研究的,但是,能得心应手地在音乐创作上运用有一定的难度,需要有大量的实践。后来印象派、民族乐派出现了很多作曲家,和声更复杂,旋律也更复杂,但是基本属于“调性音乐”,尤其是在第二次大战前后的一些新生代作曲家都在寻找突破,最后出现新浪潮,有音响主义的、有无调性的,旋律似乎离开调性越来越远,这个时候能够有一点点突破就非常不容易。于是,在音乐史上出现了一些使用自我体系的作曲家,如亨德米特、巴托克等,肖斯塔科维奇的作品被认为是“新古典主义”,其旋律给二十世纪的音乐爱好者一种新的感觉,简单解释就是利用俄罗斯民间音乐,用多调性多调式(教会调式)来构思作品(见另一篇关于这方面的博客)。上述种种现象,在我国作曲家那里都有研究,也有尝试、模仿,但是其结果是,要么不好听,要么无法演奏,要么没有章法,基本没有涌现出有中国个性的作曲大家。即使如此,也不断有新的作品出现,尤其是青年作曲家,在世界乐坛上时时也会听到中国作曲家的新作品。

本人在音乐创作上也有这个过程,在学习与实践了古典风格的作品以后,也尝试着新的作曲技法,也用无调性的方法写过,但最终还是想创作出具有中国风格的东西。于是对于中国古代音乐体系比较关注,由于个人能力有限很难吃透,读研的时候童忠良先生是我的理论导师(专业导师是王义平先生),受其影响,毕业论文写的是与中国乐学有密切关系的论文:《论宫角对称作曲技法》,读研期间也根据这里面的理论创作了一些作品,但形式过多,内容欠缺,几乎没有成功的作品。但是这一种创作思维已经进入到我的血脉。甚至影响到自己的一般作品创作中,尤其是旋律的创作。

需要解释的是,虽然中国音乐五声性的比较多,但是七声性的,甚至更复杂的调式也存在,也有一些少数民族的音乐也存在与中国传统意义上的理论有密切的关系,如果能够注意到这一些,再深入地了解一下,在音乐创作上还是有会有突破的。

下面列举出本人八十年代创作的一个声乐旋律,并不是有意识要写成那样,一个是要跟需要表现的主题,如影视主题、地域风格等要吻合,也要有一定的个性,在构思上结合了一点中国乐学的调关系,这样就可以解释一些大小调体系解释不了的东西,又不是那么难听,相反很有特点:

试着视唱一下下面这条旋律:

上述旋律,表面上看是一个同主音大小调的旋律,结束在C自然小调。这个旋律是受苗族音乐影响,比如大家听过的《苗岭的早晨》等,都有这个特点。但是,如果完全用大小调概念发展主题也许会跑到西洋风格那里去,下面我们通过更复杂的中国乐学理论解释也许可以融合更多的中国元素,在多声部的结合上不至于丢掉本来的民族风格。

下面是摘自于《对称乐学论述》(童忠良著——上海音乐学院出版社)一个关于中国五声、七声乃至九声调式的表格(p.11),也许大家比较陌生这种乐学专业词汇,但是与我们通用的乐理概念是一样的:

根据这个表格,我们可以认定上面这个旋律可以用完全不同的调性解释:

也可以这样认为:

大家可以试着用守调视唱一下上面三条不同的调号,但是音符的音高没有改变。

小结:

虽然中国的旋律非常简单,但是与这个旋律共生的有它强大的历史背景,也许这个旋律与古老的中国乐曲有关,也许与某一个民族有关,也许是某一个朝代的古乐,那么就不应该随便编配一个多声部了事,在表现上因该有非常大的空间。

更重要的是,这样的思维一定在音乐的创新上,特别是在旋律的新颖上会更有其民族性与中国自己的风格。

音频:苗歌旋律的小提琴曲

 

怎样创作出新颖的中国风格旋律(3)

怎样创作出新颖的中国风格旋律(3

—— 常规作曲技法以外的旋律写作思维

上述博客“怎样创作出新颖的中国风格旋律” (1)(2)也许理论性太强,也许太学院派了。的确,目前对于音乐创作的理论更多的是在曲式上、音乐分析上,以及四大件(作曲、和声、曲式、配器)上的教学与实践比较多,具体到了旋律,不管是声乐的还是器乐的,都没有具体的教学计划,有一个不成文的说法就是“旋律没有办法教学”。的确,旋律的个性最强,不可复制,如果复制就是抄袭!而和声、对位、配器就是要模仿,越像越好,没有人说你抄袭。那么旋律写作没有借鉴的吗?肯定是有的,只是各个作曲家方式都不一样而已。不可否认的是,在新媒体时代,所谓“好听”的音乐并不是艺术性很强的作品,而是随着媒体的爆炸性传播,大家都觉得“好听”,因此,在判断上要有所区别,不能一概而论。

一般来说,任何公认好听,美妙的旋律都有一些个性,也会符合音乐理论的规律。

以央视《新闻联播》片头为例:

1)这种音乐不像手机铃声,是在许多种现成的作品中挑选,而上例是命题写作,一般会约请著名作曲家创作。我们知道一些重复的作曲技术,如“原样重复、变化重复、移位”等,这种方式是不经听的,本来就几小节,再一重复就没有意义了,因此,作曲家在上例里面每一小节的节奏都没有重复,已经类似于赋格的主题写法。

2)常规观察,音乐结构有头(前两小节)有尾(最后5拍)有主体(3-7小节);

3)为这样一个台标写片头音乐应该考虑什么呢?很多东西是要回避的:不可以单一的民歌、不可以拿现成的任何音乐,哪怕是节选、最值得参考的应该是《中华人民共和国国歌》,但是也不能有明显的痕迹,但是应该有“基因”的。不用看谱,除了号角性的音调(头和尾),四度(-5,+5)的对比在“吼声、前进、起来……”都是。

通过这个特殊音调的分析,好像一个旋律要适合要求也要动听,其难度还是非常大的。

下一节

怎样创作出新颖的中国风格旋律(4

—— 调式的误读对于旋律调性的误导

待续(以上4条博客都是有一定的修改,博客的好处是随时可以修改,如果发表纸质文本,那就会“一错万年”!:)

2018开年之作——三声部赋格曲《长的是唢呐》

2018开年之作——

三声部赋格曲《长的是唢呐》

从2015年开始就想构思一组以湖北民歌为素材的对位作品,目的是想在调式与调性的结合上做一些突破,第一首在2015-2016年写出来,主要是以多调性或者多重调式交织在一起,不是很理想,在2018开年之际又定了一首,略有一点体会,音响与识别,乐谱与构思可能存在理性与非理性的因素,当然,音乐本身的感觉非常重要,总之,似乎开了一扇门,多年寻找作曲技术的突破好像有一点起色。

长的是唢呐——三声部赋格 – Full Score